独立制片

 

这个概念源于美国，是一个相对于Major Studios（大公司，主流公司）的名称，初期一般指那些在八大公司以外独自完成拍片及发行工作的电影公司和制片人，他们所拍摄的影片就称为“独立制片”。换言之，凡是在华纳、迪斯尼、环球、20世纪福克斯、哥伦比亚、派拉蒙、米高梅、梦工厂这些影视巨头之外拍摄的影片都可称为“独立制片”。

按照公司规模大小和出片量来区分，美国的独立制片还可以分为三个等级：

Mini-Majors（迷你主流片场），如New Line、Cannon、Orion、Miramax等。这些公司也拍一些低成本电影，但他们出品的商业片足以抗衡Major Studios，全年的营业额也很惊人，在Hollywood占有重要地位。

Classic Indies（标准独立制片），较有规模的制片公司，如Gramercy、Fox Searchlight、Sony Classics、Savoy、Fine  Line 等，这些公司出品的大片会在全国发行，低成本作品则专攻艺术影院路线。

Micro-Indies（微型独立制片），规模较小，出品量也有限，主要参与国际影展和艺术院线发行，如First Look、First Run、Good Machine、Kino等，其中Good Machine制作了李安的《喜宴》。

电影行业的新希望大多都在独立制片阵营产生，因为创新往往很难被大众认可，除了需要自身品质外，天时地利也很重要，比如大众的审美水平状况。现在叫好不叫座东西，以后往往会在最卖座的商业片中复现，而且会成为成功的关键因素，比如Avatar中极富表现主义风格的外景设计。

[配图说明]
Detachment，如果不出意外，它将是我这半年看过的最佳影片，极有说服力的展示了镜头在“揭示”与“表意”上绝无仅有的天赋。这样好的影片应该多出一些。“揭示”与“表意”往往不是单一因素决定的，演员再用心一些，摄影再高明一些，场面调度再精明一些，就那么一秒的延迟，就那么往前多一步的跟拍，意味立刻就丰富起来了。

影片由两家小公司出品，Paper Street Films Group Entertainment和Kingsgate Films。

商业片看过就看过了，而这样有责任心的艺术影片，让人深省让人进步，而且，赏心悦目不劳心。有些影片看着就很累，比如《生命之树》。

布莱顿学派Brighton School

1900年左右，在英国南海岸工作的一批电影先驱人物组成的一个非正式团体（类似于同好会）。代表人物为George Albert Smith（乔治.阿尔培特.斯密士，代表作品《X-Rays》，非常前卫）、James Williamson（詹姆斯.威廉逊，之前在为卢米埃尔当摄影师）。两人原为布莱顿地区的海滨照相师，看到卢米埃尔出镜后，也开始研究电影技术了。布莱顿学派这一名称是萨杜尔（电影史学家）在论述这批人的创作特点是首创的。
[布莱顿学派的历史功绩]
1、首创特技摄影。

1. 叠印法，《科西嘉兄弟》1898年，斯密士首创；
2. 抛物镜头（炮弹镜头，张艺谋在《三枪拍案惊奇》里有用过），镜头放进密封箱子后从空中扔进海里。

2、首创了简单的蒙太奇。
《祖母的放大镜》1900年，斯密士第一次使用了特写，并让它同远景镜头交错出现在一个场面里；
《在华教会被袭击》1900年，威廉逊用蒙太奇手法使追逐和救援的场面交替出现。影片极有史料价值，展示的是“刀枪不入”的义和团“扶清灭洋”的那堆烂事儿。

3、出现视点多变的摄影机运动。

虽然他们是先驱，但真正将电影变为电影的人，还是格里菲斯。从他开始，电影的表意单元由戏剧的场面进化为镜头。

[配图说明]
图中人物是James Williamson，可以看出，当时的摄影机还没有从照相机中解放出来，尤其是那个造型搞笑手摇转轮很有蒸汽朋克的感觉。
搞新东西要趁早，我得加紧了。现在国外学者对于虚拟媒体的分析还停留在深层心理模式上，而真正的问题研究也许应该从人们注意到夜空中月亮星星之美丽，然后幻想有神然后将星图排布成星座的那一刻开始。

视听快感

电影心理学解释影像和运动引起的视觉、听觉系统官能性满足的概念。

由光影、色彩、运动和音响构成的电影影音带来的感官享受，超过其他任何艺术（15年之后未必），是人的视觉器官接受外界刺激时产生的特殊愉悦感。作为影片的主要审美手段，影片的视听快感是保证影片成功的重要元素。

美国大片就是视听快感影片的绝对代表，科幻、魔幻、史诗战争片是这类影片的集中体现。动画片对视听快感的依赖最强，因为人的表演被压缩到了基本只剩嗓音的地步。

视听快感产生的原因很值得研究，它也许可以解释为什么钻石非常受人喜欢，撇去概念赋值，切割工艺结合剔透材质所带来的那份闪耀确实勾人眼睛。在西藏仰望星空（如果不知道星星其实和太阳一样是天体），那些伸手可摘的星辰只会让人更加幻想不已，这又是为什么？

[配图说明]

Chronide，又一部用记录手法拍摄的乏味科幻惊悚电影。这几年好的科幻片越来越少了，可能是因为电影人的想象力衰退，或者这个经济危机的社会让人疲于奔命而少了思考和想象，人们更多的渴望电影的娱乐功能，而制作雅俗共赏的科幻片要冒极大风险。

科幻的精髓，在于讨论当人类超越了地球上的三维时空时，世界会变成什么样子。The Matrix I很好的给出了一个命题，可是后面的答案落入了俗套。当然这一系列影片也是视听快感的代表作。可喜的是，人们在The Matrix的动画版中做了些积极的尝试。

与现实完全平行的虚拟世界，当这一刻来临，一定精彩……

跳切JUMP CUT

也叫做无技巧转场剪辑。
打破一般切换时所遵循的时空和动作连续性，以动作的跳跃式组接突出某些表意内容，省略时空过程。以观众完形心理的能动性和连贯性为依据，并非毫无依据的随意组合。

想用很容易，用好比登天还难。

最常见的跳切都被用于线性描述单一对象的系列表现，只展现节点而略去过程。

[配图说明]
特吕弗的Les quatre cents coups(四百击) 一点都不娱乐，不过，绝对是流芳百世的艺术珍品。这种文艺片让观众看的很劳心，很累，同时也被重重包围、深深打动。
上图展示的正是影片最后一个长镜头（也是世界上最著名的长镜头）的拍摄过程，当最后的定格出现时，照相和摄影的美同时迸发出来。

Dogma95《纯洁誓言》The Vow of Chastity

“当愚弄观众成了电影生产者的最高任务的时候，我们应该为此自豪吗？”

1995年成立于哥本哈根的一个丹麦电影小组，成员大多为毕业于丹麦国立电影学院的年轻导演，如拉斯.冯.提尔Lars von Trier、托马斯.温特伯格Thomas Vinterberg、索伦.克拉格.雅各布森S?ren Kragh-Jacobsen、克里斯汀.勒维瑞Kristian Levring。1995年3月13日，组织成员共同签署《道格玛宣言》，即The Vow of Chastity（纯洁宣言）。誓言要点可概括为如下10条。

1、影片必须在实地拍摄，不可搭景或使用道具；

2、不可制作脱离画面的音响，不可制作脱离音响的画面；

3、须用手持摄影机拍摄，影片的故事不必在摄影机在场的情况下发生，但影片的拍摄须在故事的发生地点进行；

4、影片必须是彩色的，不接受特别的照明；

5、禁止进行光学加工或使用滤镜；

6、影片不可包含表面行为（如谋杀、暴力等场面）；

7、禁止时间和空间上的间离；

8、不接受类型电影；

9、影片规格必须为35毫米(注:Academy 35毫米规格)；

10、导演名字不出现在职员表中。

《道格玛宣言》可以说是对电影创作活动的某种限制，但它限制的是捕捉生活的表面现实，而倡导凸显人物的内心世界。这个宣言既反对法国新浪潮的个人主义，又反对美国好莱坞的技术主义，而主张继承斯堪迪纳维亚电影学派的艺术精神。

[代表作品]

《家庭聚会》1998 托马斯.温斯特伯格

《白痴》1998拉斯.冯.提尔

《三船》1999索伦.克拉格.雅各布森

[配图说明]

图片为影片Dancer in the Dark(黑暗中的舞者)的剧照，人物是主角比约克，她同时也是一位歌手。这部影片虽然在声画关系上背离了道格玛95的立场，但是很好的展现了宣言的精神，不破不立，摆脱教条，一切为宗旨服务。

白色电话片、书法派

[白色电话片]

意大利影片，流行于法西斯政权统治的年代，以豪华生活环境为背景、专事描写资产阶级生活方式。因富有家庭使用白色电话而得名。
代表导演：奎多.勃里尼奥内
[书法派]
意大利影片，在法西斯政权统治的年代里，一些正直的电影工作者为了拒拍庸俗的商业片和反动的宣传片，转向改编旧的文学作品。
这些影片讲究技巧，手法细腻，但远离现实，不懂感情，故称书法派影片。
拉都达《空想家贾柯莫》1942
卡斯戴拉尼《枪击》1941
契阿里尼《五个月亮的街》1942


[配图说明]
图片内容为罗西里尼（Roberto Rossellini）的影片《罗马，不设防城市》（Roma, città aperta），他另外的一部名作为《德意志零年》Germania anno zero1948。
随着法西斯政权的分崩，艺术家从战后的废墟中挑拣出边角料，拍出了一部部新现实主义感人作品，这一部是开端。

细节DETAIL

电影细节有广义狭义之分。

广义细节：泛指电影所有视听元素——人、物、声、光、色、影等细节。

狭义细节：来自于文学概念，指在编剧或拍摄现场确立，推进情节发展、刻画人物性格、渲染人物情绪、表现环境气氛，以及导演借以发表、阐释观点、看法、意念的元素。

情节是人在与世界、与他人、与自我关系发展中，其性格发展的过程。
细节即情节的构成的要素（叙事性细节，很重要）和表现方式（非叙事性细节，很出彩）。

细节有多种分类方式。
按性质分：叙事性细节、非叙事性细节；
按属性分：动作细节、肖像细节、物件细节、环境细节等；
按功用分：情绪细节、心理细节、气氛细节、性格细节、含义细节。

【配图分析】
上图是好莱坞电影The Godfather《教父》系列第二部的截图。
导演：弗朗西斯.科波拉；作曲：尼诺.罗塔
图中人物是第一代教父Vito Corleone。他出生于意大利，年少时，全家因父亲顶撞当地教父而惨遭屠戮，他只好孑然一人逃命来美国谋生。入关体检时查出患有肺炎和黄疸，政府安排他住院治疗。图片描绘了少年Vito在病房窗前凝望自由女神像这一细节。

这是一个综合性细节，承前启后，自问自答。

按性质分它属于非叙事细节（的确很出彩），独身少年（家人全死光）逃离家乡魔爪来到“自由国度”，他看自由女神像的眼神比应有的惆怅要复杂许多，更谈不上那种落难海员发现陆地时的侥幸。女神像灰色的身影别有意味，是自由来拯救，还是自由的去复仇？（Michael Corleone: If anything in this life is certain, if history has taught us anything, it is that you can kill anyone.）

按属性分，它既是动作细节（凝望，这是整个细节的核心，支配着其他小细节），也是肖像细节（四分之三镜头近景，时长约5秒，刻画一个心事重重、少年老成的Vito），同时也有环境细节的成份（作为地标的自由女神像、医院的窗户、纽约迈哈顿岛—黑手党家族的中心）。

按功用分，它既属于心理细节—Vito看到女神像在想什么？自己以后该怎么过；也属于含义细节—“自由”的美国或许解放他，或许他这辈子终究没能远离黑手党宿命。

此细节同下一个细节结合，组成了一个经典过渡段落，5秒之后，镜头机位不变，少年Vito的身影淡出，成年Vito的面孔淡入，同样也是凝望窗外，只是换成了自家的窗户；同样也是黄昏，只是自由女神像换成了昏暗的街头；同样那种心事重重的眼神，只是年少的孑然一身前途未卜，换作成年的拖家带口又即将失业。逼上梁山，新的段落就此展开。

PS：
教父，即Godfather，黑手党老大。帮派外人或小辈称乎他时必须在姓氏前加“Don”，如Don Corleone，“Don”也只有教父本人能用，长辈、妻子和同胞兄弟才可呼其名。所有人在正式拜会行吻手礼时都必须尊呼一声“My godfather” 。在美国，中国人只有个唐人街，而意大利裔的黑手党大哥，纽约市长必须要他给面子。

太阳族电影

太阳族电影是日本50年代出现的几部电影的总称。

太阳族，是日本当代作家石原慎太郎1955年出版，并获得当年芥川奖的小说《太阳的季节》中主人公的统称。他们是富裕家庭的青少年，自幼娇生惯养，不学习、不劳动，生活奢侈、放荡，不遵守社会秩序，不讲道德伦理，藐视一切、醉生梦死，是纯粹的家庭与社会的寄生虫。因此，人们称这种内容的日本作品为“太阳族文学”，同类内容的日本电影为“太阳族电影”。

最早的，也最具有代表性的太阳族电影，是古川卓已导演、根据石原慎太郎同名原作改编的《太阳的季节》。此后，石原慎太郎本人据他的另一部小说改编、由中平康导演的《疯狂的果实》，中平康另一作品《夏天的暴风雨》及据石原慎太郎同名原作改编、由市川昆导演的《处刑的房间》相继出现。太阳族电影的最后一部是据石原慎太郎同名原作改编而由堀川弘通导演的《日蚀的夏天》。

太阳族电影总共只有5部，从它的兴起到结束只有5个月。太阳族电影对太阳族们在某种程度上表现了批评态度，但由于它描写的主要是性和暴力，本身也有不可否认的反社会性的一面，所以当时受到社会舆论的强烈谴责。然而它给日本影坛留下了不可轻视的影响。以后，以描写性和暴力为内容的影片大肆泛滥，其源盖出于此。

今年有考这个概念（名词解释，4分），我完全没读过。这个概念在我所读的所有专业教材中都没有见到，包括电影艺术大辞典。

11年是钓鱼岛的多事之秋，这位老先生是幕后推手。

潘老师有说过要关注社会时事，这道题就是很好的解释。

PS

石原慎太郎（1932年9月30日－），生于日本兵库县神户市须磨区，日本小说家、画家，同时也是日本著名右翼保守政治家，主张反对中国民族主义及美国帝国主义。毕业于一桥大学法学部，现任东京都知事（市长）。他是国际知名的反华和反美分子，极端狂热的法西斯主义者。石原一直否认日本在军国主义时代所犯下的各种罪行，并以冒犯中国的言论博取注意，强调日本民族之优越性，不停扰乱中日关系和日美关系的正常发展。2012年4月16日，石原慎太郎在研讨会上发表演讲表示东京政府决定从私人手中购买钓鱼岛。

上镜头性Photogenie

1919年，法国先锋派电影理论家Louis Delluc路易.德吕克在《上镜头性》一文中提出的对电影艺术特征的称谓，由照相（Photo）和神采（Genie）两词组成。

“电影艺术应当在自然和现实生活中发现适宜用光学透镜表现的形象和景物，需朴实无华、用自然光效、焦点发虚等表现手段营造电影艺术独有的诗意，运动中的视觉形象才最具有上镜头性。”11年冬季，雪天，抬头看到窗外飘鹅毛雪，因为窗格的遮挡，很好的模拟了一次飘雪上镜。

四个主要元素：
1、装置：自然景、布景、镜头构图、景别运用；
2、照明：自然光源、人造光源、不同光源赋予对象的不同含义；
3、假面：即演员；
3、节奏：上述各元素见的比例平衡和逻辑的统一。节奏是最具有感染力的“卓越技术现象”和创造者激情和智慧的产物。

上镜头性通常亦指演员或者“明星”的面孔摄入镜头后具有特殊吸引力的纯外在视觉印象，也就是人们常说的“上镜”或“上相”。

【补充】
于5月9日晚读了中译版全文，个人体验如下，
1、名称译为“镜头性”更好，作者主要想表达镜头的特殊表现力，光学透镜在“挖掘事物出人意料的神采”上有独特之处，落脚点在“镜头”上。而“上镜头性”的落脚点在“事物”上，研究客体搞错了。
2、作者有一个逻辑漏洞，首先，我相信作者在对比镜头呈像和眼睛观察的时候，是自己先用眼睛看然后再用摄影机拍，最后做对比。这个过程缺乏实验的科学性。其次，一般人直接看镜头拍摄下来的画面的感觉，不同于先用眼睛看，再通过镜头拍摄，最后看拍摄后的画面的感觉。不同的对比次序和过程的积累，造成的认知体验不同。也就是说，德吕克的上镜头性可以说是一种发现，但不能算是科学的理论。

黑色电影FILM NOIR

1946年，法国影评家Nino Frank（尼诺.法兰克）因受黑色小说一词启发，最早使用film noir来评价 The Maltese Falcon（马耳他之鹰），从而最早发明并阐述了黑色影片这一概念。

黑色电影主要指好莱坞40年代和50年代初期拍摄的，以城市中昏暗街巷为背景、反映犯罪和堕落的影片。它不是一种独立的影片类型，而是同许多传统的影片类型，如强盗片、西部片、喜剧片等交织在一起的综合体。某种意义上，黑色电影可以看作是美国的暴力题材、德国表现主义的摄影风格和法国存在主义思想的结合体，其具体特征如下，

• 黑夜场面多，无论内景外景，总给人阴森可怖、前途莫测的危机感；
• 采用德国表现主义的摄影风格，以古怪的深影和阴沉的影调来造成一个梦魇世界的幻觉；
• 主人公往往是在道德上具有双重人格的叛逆人物，他们或对周边世界充满敌意，或失望孤独，或在死亡中找到归宿；
• 惯用倒叙手法或第一人称叙述法作为心理描写手段。

代表作家及作品：

• John Huston（约翰.休斯顿）—The Maltese Falcon（马耳他之鹰）
• Billy Wilder（比利.怀尔德）—Double Indemnity（双倍赔偿）
• Howard Hawks霍华德.霍克斯—The Deep Sleep（沉睡）
• Orson Welles奥逊.威尔斯—Stranger（陌生人）、The Lady from Shanghai（上海来的女人）
• Otto Preminger奥托.普莱明格—lola（劳拉）Fallen Angels（沦落天使）
• Robert Siodmark罗伯特.西奥德马克—Phantom Lady（鬼夫人）The Killers（杀人者）

黑色影片又是也指二战期间某些调子低沉、逃避现实的法国影片。战后法国导演曾一度对好莱坞黑色影片感兴趣，如比埃尔.梅尔维尔的《痛苦》、《日本武士》。


这个概念连续两年考了……

影戏

20世纪30年代部分中国人对电影的俗称。它反映了中国早期的电影观念——影子的戏，戏（戏曲）的一种。戏，说明了影戏也具有戏曲表演的诸多特点，能够讲故事并且宣扬一定的教化思想。

因此，“影戏”的概念主要把电影看作是一种叙事艺术，从表现内容的具体功能出发，而不是从影像和镜头等电影具体构成因素出发把握电影。这个名称同时也反映出了中国文以载道的文化接受传统，以及市民对故事性戏曲的欣赏偏好。

值得注意的是，影戏在更大的概念范畴上，也指皮影戏、纸影戏、手影戏等影灯类戏曲艺术。跟电影（故事片）相比，这两种艺术载体有着不同的心理接受机制，影灯戏类似于动漫和戏曲，或多或少是一种抽象性的概括描述，比较适合用审美心理学中的距离说来解释，而电影（故事片）带给人们的，是逼真的虚拟现实体验，当镜头还没有成为电影的基本构成语言时，电影的快感来自新奇感、梦境感、异国风情、以及光影呈像的独特魅力（华语电影《西洋镜》对此有一定程度的描写）。

80年代，影戏理论引起国内学界的关注和进一步研究，并认为是中国电影民族化的特征之一。

故事、曲艺、戏剧、电影、虚拟现实——审美的需求和逃避现实的需求总是纠缠在一起，侧重前者的是艺术，侧重后者的是娱乐。

想想石器时代的巫术与祭祀，人们先看祭司手舞足蹈（内观照、预热、内心模拟），然后自己再围着篝火群魔乱舞（入化境、自我体验开始），其中审美与逃避现实的二元性依然可见。审美升华于精神的激昂与舞蹈的酣畅，而如神附身的自我麻醉则是逃避现实的完美体现。

学而

子曰: “三年学，不至于谷，不易得也。”
张载说：“为往圣而继绝学。”
清高宗弘历撰：“率性修道致中和得其门者辟之宫墙。”
胡雪岩：“人生仅一个规律:自作自受。”
既然喜欢，就认真研习，就坚持到底，好不不好，只有自己心知。
十月寒窗，不只拼命。
蟾宫折桂，不图荣华。
既务斯业，专心用功！

意义在于坚持

于谦

烦闷时看星空，地球上的事儿算什么呢？立刻超脱。
失意时看历史人物，英雄者力挽狂澜、屡败屡战。立刻坦然振作。